Reseña videojuegos - Lost Judgement

 

Lost Judgement

 

Compañía: SEGA

Desarrolladora: Ryu Ga Gotoku Studio

Género: Acción/Aventura/Beat ‘em Up

Voces: Inglés/Japonés

Textos: Español

Versión: PS5

Recomendación por edades: +18

 

Introducción

 

    Lo reconozco: tengo debilidad por los juegos de Ryu Ga Gotoku Studio. Si bien este estudio es especialista en reciclar entornos e ideas, sus propuestas siempre me atrapan y ofrecen algo que las aparta de la competencia. El estudio se encuentra en un estado de forma envidiable, algo con lo que se ha granjeado la gran reputación de la que goza en la actualidad. Su creación abarca videojuegos de premisas tan diferentes como «Like a Dragon» (antes «Yakuza» - tanto en su variante de Beat ‘em Up, Rol por turnos o combates con espadas en el periodo Sengoku), Monkey Ball o la saga que aquí nos ocupa.

    Ya con el primer Judgement pude comprobar que las aventuras del detective Yagami no tienen nada que envidiar a las de Kazuma Kiryu o Kasuga Ichiban. Una gran trama, personajes carismáticos, un gameplay brutal, gráficos fantásticos, etc. Todo eso y más está en Judgement. Ahora bien, la prueba de fuego para una saga en potencia suele ser su segunda parte. Es ahí donde demuestra si «su éxito inicial fue un golpe de suerte» o si podemos contar con ella de cara al futuro.

    ¿Consigue establecerse con Lost Judgement lo suficiente como para pasar al panteón de los grandes y justificar nuevas partes en el futuro? Vamos a descubrirlo juntos en mi reseña.

 

Historia

 

    Lo primero que hago aquí es avisarte: los temas tratados en la historia de Lost Judgement son tan duros como delicados en nuestra sociedad actual. Si por alguna razón te revuelve el estómago pensar en asuntos tales como el acoso escolar o el suicidio, ni siquiera consideres empezar Lost Judgement. Dicho esto, en Lost Judgement tenemos uno de los mejores argumentos de todo el conglomerado Yakuza – Like a Dragon – Judgement. Son las propuestas como éstas las que demuestran que los videojuegos no sólo sirven para entretener, sino que también pueden tratar asuntos muy serios.

    Como menciono arriba, las piedras angulares sobre las que se construye la trama de Lost Judgement son el bullying y el suicidio. Todo comienza con cómo dos bomberos encuentran un cadáver en un edificio abandonado. La cosa se complica en el instante en el que un hombre acusado de tocamientos indebidos identifica el cadáver antes de hacerlo la policía. ¿Cómo es posible que conociera su identidad, cuando estuvo en el metro el día de la muerte de la persona encontrada? Las preguntas no hacen más que amontonarse, cuando nuestro protagonista Yagami viaja a Isezaki Ijincho junto a su compañero Kaito para ayudar a unos amigos, que también han montado una agencia de detectives. Es aquí donde me detengo, puesto que no quiero destriparte nada. Si bien te recomiendo jugar también al primer Judgement, no es indispensable para comprender esta segunda entrega, puesto que hablamos de historias autoconclusivas.

    Como ocurre siempre en las propuestas de Ryu Ga Gotoku, la historia se sostiene también gracias a sus maravillosos personajes. A los conocidos Takayuki Yagami y Masaharu Kaito se unen conocidos como Saori Shirosaki o el cameo de cierto personaje aparecido en Yakuza 7: Like a Dragon. Mención aparte merecen algunos de los nuevos como Yoko Sawa o Kazuki Sowa y, sobre todo, Akihiro Enara y Jin Kuwana. Todos ellos, también los antagonistas, tienen motivaciones creíbles y lógicas en la forma de cómo quedan transmitidas sus ideas.

    Como no podía ser de otro modo, diferentes historias secundarias redondean este apartado. Tendrás a tu disposición una trama completa ambientada en el instituto de Isezaki Ijincho. Ahí deberás desenmascarar a cierto desconocido, que se identifica con el alias «El Profesor». Para descubrir su identidad y motivaciones, Yagami debe infiltrarse en distintos clubes, lo cual da lugar a una jugabilidad todavía más variada. A pesar de ser la historia principal la estrella de la función, merece la pena desentrañar el misterio tras este individuo y ver cómo afecta a diferentes estudiantes. Claro que también habrá momentos en clave de humor, con las típicas «payasadas» (no lo digo en sentido despectivo) japonesas.

 

Presentación

 

    Una vez más nos encontramos frente a una presentación marca de la casa. Tanto Kamurocho como Isezaki Ijincho son pequeños mundos abiertos, repletos de ubicaciones reconocibles. Personajes y escenarios comparten un alto nivel de detalle, ya sea durante las peleas o la exploración. Como ya viene siendo habitual, las transiciones de pasearte por las calles a luchar contra quienes pretenden batirse el cobre con Yagami son rápidas, algo que también se traslada a cuando entras en los múltiples establecimientos repartidos por los escenarios (sólo existen unas pocas excepciones). Todo esto queda acompañado por unas animaciones espectaculares y fluidas.

    Las escenas de vídeo cuentan con unas expresiones faciales magníficas y hasta podrás distinguir detalles tales como poros en la piel o heridas sufridas durante peleas previas. Qué siente un personaje en un momento dado queda muy bien reflejado tanto en su cara como sus gestos.

    En cuanto al sonido, también aquí hablamos de un trabajo sobresaliente. Las voces acompañan en todo momento (he jugado con ellas en japonés), de modo que ayudan todavía más a la inmersión. La banda sonora, por su parte, redondea un apartado sobresaliente.

 

Gameplay

 

    Está claro que Ryu Ga Gotoku es defensora a ultranza de «en la variedad está el gusto». En su mayor parte Lost Judgement es un Beat ‘em Up con elementos roleros y un juego de detectives. Te verás envuelto en múltiples peleas contra todo tipo de enemigos, donde acumularás puntos de experiencia que podrás invertir en mejorar las habilidades de Yagami. Los intuitivos controles permiten manejar con fluidez los tres estilos de combate de nuestro protagonista (cuatro, si tienes el DLC correspondiente). Asimismo, habrá momentos para la exploración e incluso la investigación, en los que deberás recorrer ciertas escenas del crimen y descubrir pruebas. Para ello no sólo tendrás a tu disposición tus sentidos como detective, sino también «gadgets» tales como un dron o un amplificador de sonido.

    Todo esto queda acompañado por una inmensa cantidad de minijuegos, la mayoría introducidos de manera sublime en la historia principal o en las subhistorias. En Lost Judgement tendrás a tu disposición un juego de tablero en realidad virtual, un simulador de citas, carreras de drones, un juego de skate (no es Tony Hawk, aunque resulta bastante divertido) o, mi favorito, uno de boxeo. También podrás jugar a los dardos o divertirte con antiguas máquinas recreativas de SEGA o juegos de Master System.

 

Conclusión

 

    Lost Judgement es uno de los mejores videojuegos de los que he disfrutado este año. No me sorprendería que acabe en mi top de 2024. Esta obra lo tiene todo: una gran jugabilidad, una historia increíble, variedad por los cuatro costados, etc. La propuesta de Ryu Ga Gotoku es recomendable a todos los niveles y, si aguantas los asuntos que trata, te ofrecerá algo que en nada tiene que envidiar a grandes películas, series u otros videojuegos laureados. Si, además, tienes el DLC «Kaito Files», disfrutarás de más horas de gran diversión, esta vez con Kaito como personaje jugable.

 

Puntuación: Yagami Shi / 10

Reseña videojuegos - Chorus

 

Chorus

 

Distribuidora: Deep Silver

Desarrolladora: Fishlabs

Género: Arcade de combates aéreos en el espacio

Voces: Inglés

Textos: Español

Versión: PS5

Recomendación por edades: +18

Introducción

 

            El espacio resulta algo fascinante para muchas personas. Representa lo inexplorado, recordándonos nuestras limitaciones como una especie sujeta a su propio planeta. Sí, es posible que se haya pisado la luna (o no) y enviemos satélites o robots a otros planetas, pero el espacio sigue siendo un territorio casi virgen. Ni siquiera sabemos si tiene límite, es infinito o está en expansión continua. Así es al menos por el momento… Por suerte existen los grandes genios, capaces de sacar a relucir su imaginación para trasladarnos hacia lo desconocido. La ciencia ficción espacial es un género que ha dado grandes clásicos atemporales, en diferentes medios. No hay que pensar mucho para que vengan a la mente libros como Dune o películas como las de la serie Star Wars y Alien. También los videojuegos aportan su granito de arena, con propuestas tan diferentes como Colony Wars, Star Ocean o Mass Effect.

            Para mí siempre es interesante que compañías más modestas se arriesguen con producciones doble A como la que aquí nos ocupa. Chorus es un arcade de combates de naves en el espacio, que no se olvida de introducir una narrativa rica y compleja, al tiempo que ofrece zonas amplias similares a pequeños mundos abiertos.  La pregunta es si Chorus cumple sus objetivos. ¿Tenemos ante nosotros ese gran juego que nos sumerge en el espacio, nos hace hervir la sangre durante los combates y nos transmite esa sensación de soledad causada por semejante entorno? Hora de descubrirlo juntos en mi reseña.

 

Historia

 

            Como has leído un poco más arriba, Chorus pone un gran enfoque en la narrativa, la cual se convierte en una pieza angular para este juego. La historia nos sitúa en la piel de Nara, una piloto de habilidades excepcionales y que ahora trabaja como «chatarrera». Su pasado como sabia en el Círculo la llevó a cometer actos que la llevan atormentando durante mucho tiempo y que intenta dejar atrás por todos los medios. A pesar de elegir una vida más calmada, antiguos aliados suyos y ahora enemigos están por doquier, dispuestos a «extender su fe» a cualquier precio. A pesar de sus cualidades como piloto, pronto comprende que ella y su gente estarán perdida, si no se enfrenta a ese pasado.

            Parte de este último es la nave «Forsaken», Forsa para los amigos», que más que una inteligencia artificial es un ser viviente con pensamientos propios. Llegado el momento en el que hayas realizado las primeras misiones, Nara irá en búsqueda de Forsa. ¿Cómo terminaron separados? ¿Cómo reacciona la nave? Eso es algo que no voy a contarte, ya que merece la pena descubrirlo sin que nadie te estropee la sorpresa. Lo que sí puedes dar por seguro es que no habría argumento sin Forsa.

            Junto a nuestros protagonistas, te encontrarás a diferentes personajes secundarios, que ayudan a enriquecer la trama; sobre todo, aquéllos más conectados con las misiones principales. Los dos bandos enfrentados quedan bien definidos y las motivaciones de los protagonistas se salen a menudo del concepto «bueno y malo». Incluso los antagonistas principales manejan motivaciones que te harán cuestionarte si de verdad son malignos. Por eso y más, puedo asegurarte que disfrutarás de una gran historia, si te gustan las epopeyas espaciales.

 

Presentación

 

            Chorus no esconde lo que es: un videojuego de presupuesto medio. Eso es algo que notarás a menudo en las escenas de vídeo. A pesar de ser buenas, no alcanzan las cuotas de una superproducción. ¿Es eso algo malo? Para nada. Aquí las escenas de vídeo cumplen con su función de servir como nexo entre las distintas partes de la historia. Los gráficos cuentan con un muy buen diseño para Forsa y escenarios notables. Al quedar ambientado Chorus en el espacio, verás algunos entornos desolados como Stega, mientras que otros como Nimika se asemejan a una ciudad. Eso sí… El diseño de los enemigos «normales» no es demasiado brillante, algo que cambia con ciertos jefes. La propuesta de Fishlabs ofrece distintos modos gráficos, como rendimiento o fidelidad. En esta ocasión me he decantado por una tercera opción, colocada justo en medio. Esta última se destapa como fluida, conforme mantiene un buen componente visual.

            El sonido de las naves al combatir o el causado por las explosiones cumple muy bien en Chrous, aunque la estrella aquí es su banda sonora, compuesta por Pedro Macedo Camacho. En algunos casos es tan ambiental, que casi te resultará imperceptible, mientras que en otros momentos carga de drama a la acción. El juego también presenta una gran cantidad de diálogos, como los que tienen lugar entre Nara y Forsa. La primera no sólo habla con los demás, sino que también incurre en monólogos interiores de vez en cuando. Lo que me ha llamado la atención aquí es que no he notado demasiadas conversaciones durante la acción propiamente dicha, algo que resulta de agradecer (o quizá no le prestara atención, al estar más preocupado por sobrevivir las batallas).

             

 

Gameplay

 

            Todo lo mencionado arriba no serviría de nada sin una jugabilidad acorde, capaz de transmitirnos la sensación de estar a los mandos de un caza espacial en los combates. Eso es algo que Chorus cumple de manera notable. Pronto formarás parte de épicos combates espaciales, buscando la cola del enemigo, acabarás con destructores gigantes o te enfrentarás a enemigos que ocupan casi toda la pantalla. Chorus también incluye fases en las que debes escapar de cierto «adversario» invencible. Si éste te alcanza, te tocará reiniciar desde el último checkpoint. Estos últimos están bien repartidos, así que jamás perderás demasiado progreso.

            La exploración de Chorus se parece a otros mundos abiertos, en los que buscarás recursos y, sobre todo, misiones. Estas últimas te harán profundizar más en el lore de este juego. Los encargos pueden ser en apariencia triviales como echar una carrera o matar a cierto enemigo, turnándose con otros más complejos. El viaje rápido como tal te permite colocarte cerca de los saltos espaciales, los portales hacia otras zonas abiertas. También tienes la opción de viajar a mayor velocidad, algo que te hace perder maniobrabilidad, pero te llevará de una punta a la otra del mapa en menos tiempo. Eso sí, dicha opción se desactiva de manera automática en la mayoría de las misiones.

            Algo que enriquece la jugabilidad son los poderes que adquirirás conforme avanzas en la aventura. Uno de ellos te permite colocarte justo en la cola de un enemigo escurridizo, por poner un ejemplo, aunque ten en cuenta que su uso te costará energía que irás recuperando poco a poco. También puedes personalizar a Forsa, con armas más potentes o accesorios, dedicados a aumentar el daño causado, tu defensa o la velocidad de recarga de habilidades. Si tienes la impresión de que éstas te hacen «invencible», siempre puedes ajustar la dificultad.

 

Conclusión

 

            Chorus es un juego que alcanza unas cuotas de calidad muy elevadas en numerosos apartados, de modo que te lo recomiendo si te gusta volar con una sensación más arcade que huye de un realismo excesivo. Su historia, los combates y la sensación de viajar por el vacío hacen que merezca la pena adentrarte en la propuesta de Fishlabs. No es un juego demasiado largo, de modo que resulta ideal para intercalarlo entre otros más extensos.

 

Puntuación: En coro / 10

Reseña videojuegos - Scarlet Nexus

 

Scarlet Nexus

 

Distribuidora: Bandai Namco

Desarrolladora: Bandai Namco Entertainment / TOSE

Género: JRPG

Voces: Inglés / Japonés

Textos: Español

Versión: PS5

Recomendación por edades: +18

 

Introducción

 

            Como todos los géneros con gran recorrido a través del tiempo, también el JRPG nos ha dejado grandes sagas como Final Fantasy, Dragon Quest, Tales of… o Shin Megami Tensei. Que sean franquicias tradicionales en nuestras estanterías, ya sean físicas o digitales, no es algo malo y supone algo extraordinario que sepan mantenerse relevantes en el tiempo. Por otra parte, tampoco deja de ser cierto que su presencia durante los años puede causar cierto desgaste en los jugadores. Es por ello por lo que resulta admirable que compañías asentadas se arriesguen con IPs nuevas y busquen presentar alternativas frescas, en vez de siempre ir a por lo seguro.

            Ahora bien… Estos «experimentos» a veces funcionan y otras veces los resultados son más bien discretos. No hay que remontarse demasiado atrás en el tiempo para recordar videojuegos como Forspoken, que llevaron a la absorción interna de todo un estudio, sin importar que se ganara renombre con Final Fantasy XV. La obra que hoy nos ocupa se titula Scarlet Nexus, desarrollada por TOSE junto a Bandai Namco y publicada por la segunda. ¿Estamos ante un juego capaz de mirar de tú a tú a los grandes o sólo supone un intento fallido? Vamos a descubrirlo juntos en mi reseña.

 

Historia

 

            Pasada la pantalla de inicio, el juego nos hace elegir entre dos personajes jugables: Kasane Rendall y Yuito Sumeragi, ambos formando parte de familias sumamente importantes en la trama. Los dos te harán vivir historias que transcurren de forma paralela, con sus propios personajes secundarios y momentos clave. Esto quiere decir que recorren senderos diferentes durante el argumento y que se encuentran en ciertos momentos. Todo comienza cuando se convierten en cadetes para la conocida como OSF, dedicada a combatir a unos terribles monstruos conocidos como «los Otros». Lo que al principio se traduce en que nuestros protagonistas son asignados a un escuadrón donde se enfrentan a sus primeras misiones pronto da un gran vuelco. Tanto Kasane como Yuito se verán envueltos en una conspiración a gran escala, en la que se verán obligados a tomar parte de dos bandos enfrentados. La cosa no termina ahí, puesto que la trama se complica poco a poco para tanto protagonistas como los demás personajes. La existencia de los Otros, las relaciones personales con los aliados, las motivaciones personales y el mundo están muy bien explicados, formando parte de una gran historia.

            También los secundarios rayan a gran altura, con su propio peso en el argumento. Ejemplos de esto son Nagi para Yuito o Naomi para Kasane. Este JRPG no tiene miedo de incluir numerosos momentos trágicos para sus protagonistas, que bien pueden provocarte algún nudo en la garganta. El elenco de personajes relevantes no termina ahí, y todos aportan algo a la historia, con motivaciones no pocas veces sombrías. Asimismo, conocerás mejor a tus compañeros en segmentos más calmados, muy similares a una novela visual.

 

Presentación

 

            Los gráficos se presentan mediante un estilo anime, que dota de una personalidad inconfundible a Scarlet Nexus. Todo transcurre de manera fluida, ya sea durante la exploración o los combates. Los escenarios son ricos en detalles, siguiendo una estética entre postapocalíptica y cyberpunk, mientras que los personajes presentan tanto animaciones como modelados sólidos. Cabe destacar el estilo seguido para contar la historia, en la que una escena de vídeo puede dar lugar a viñetas muy similares a un manga o una novela visual.

            También el sonido alcanza un gran nivel, con unos efectos durante los combates espectaculares. He jugado con las voces en inglés, donde se nota el gran mimo y trabajo realizado por las personas implicadas. La banda sonora, por su parte, tiene momentos sobresalientes y conseguirá trasladarte sensaciones de todo tipo, ya sea animarte para un combate o la tristeza en ciertos momentos devastadores. «Despite the Pain», por ejemplo, es una gran canción.

 

Gameplay

 

            Scarlet Nexus es un JRPG de acción, muy similar al hack ‘n’ slash durante los combates. Esto es algo enriquecido mediante los poderes psíquicos de los protagonistas, capaces de hacer levitar objetos y lanzarlos contra los enemigos. Llegado el momento, también podrás servirte de las habilidades de tus aliados. Ejemplos de esto lo suponen cargar tus ataques con el elemento fuego, hacerte invisible o que tu personaje se desplace con una velocidad muy superior a la de los adversarios. Las peleas en sí harán que te enfrentes a enemigos de varios tipos, con una forma para derrotarlos muy particulares en no pocos casos. Un ejemplo de esto lo supone cierta criatura, que se vuelve invencible nada más ver llegar a tu personaje. Usar la invisibilidad o el teletransporte puede solventar esta ventaja del enemigo, al que de otra manera no derrotarás. Hablando de los enemigos, te enfrentarás desde criaturas pequeñas a adversarios que te superarán varias veces en cuanto a tamaño. Mención especial para los jefes, que requerirán tanto habilidad como paciencia para hacerles morder el polvo.

            Explorar tanto los escenarios en los instantes tranquilos como lugares de combate se verá recompensado mediante objetos que podrás usar durante la aventura o regalar a los aliados. Caminar por las dos ciudades que presenta Scarlet Nexus supone una delicia, al igual que cuando usas las habilidades de tu escuadrón para acceder a lugares a los que no podrías llegar de otra manera.

            Otro elemento destacado en la jugabilidad es su componente de novela visual. Esto último no sólo se traslada a la historia principal, sino también a momentos en los que tendrás ocasión de conocer mejor a tus compañeros. Entregarles ciertos regalos subirá el nivel de afinidad con ellos, proporcionándote ventajas nada desdeñables durante los combates. Todo esto aumenta la duración de un juego, que te dará entre veinte y veinticinco horas con cada protagonista. Y sí… Para comprenderlo en su totalidad, es recomendable jugar tanto con Kasane como con Yuito.

 

Conclusión

 

            Scarlet Nexus es una propuesta muy recomendable, que en nada tiene que envidiar a los clásicos. Bandai Namco demuestra que no descansa sobre los laureles, sino que también tiene cabida en sus lanzamientos para juegos como éste o Code Vein (también muy recomendable para amantes de los «Soulslike»). Estamos hablando de un gran videojuego, que gracias a su adaptación al anime ya transciende su propia burbuja. ¿Se convertirá en una saga con el tiempo? Esto es algo a lo que no hay respuesta hoy en día, aunque yo estaría a bordo para jugar a una segunda parte.

 

Puntuación: Hay un Otro en la luna / 10

Reseña videojuegos - Alan Wake Remastered

 

Alan Wake: Remastered

 

Distribuidoras: Remedy Entertainment

Desarrolladora: Remedy Entertainment

Género: Acción/Aventura

Voces: Español

Textos: Español

Versión: PS5

Recomendación por edades: +18

Disponible en PS Plus: Como parte de la remesa Essentials en julio de 2023

 

 

Introducción

 

            2023 nos dejó grandes videojuegos, algo que incluyó la vuelta de franquicias conocidas y reverenciadas por gran parte del público. Una de estas IPs es Alan Wake, que con su segunda entrega ha competido de tú a tú con propuestas como «Zelda: Tears of the Kingdom» o «Baldur’s Gate 3», tanto en ventas como en premiaciones. Debo reconocer que soy de esos jugadores que hemos llegado tarde a la fiesta y que me perdí la primera parte en su día. Es aquí donde entra un concepto que no pocos jugadores consideran manido: el remaster. Esto es algo con lo que no concuerdo. En mi opinión, supone algo muy válido, puesto que ayuda a los ejercicios de nostalgia con un lavado de cara más moderno o permite disfrutar por vez primera de grandes obras de culto que han dejado una huella imborrable en el medio.

            Una de ellas es la primera parte de Alan Wake, que no jugué en la séptima generación de consolas. Acerca de esta propuesta de Remedy leí que hacía muchas cosas bien en lo que al «story telling» respecta, pero poco más. Conseguí mantenerme a salvo de los spoilers, de modo que no supiera demasiado bien dónde me metía. Debo reconocer que entrar a ciegas en el universo de Alan Wake es la mejor manera de hacerlo, así que puedes dejar de leer aquí si quieres y empezar el juego.

            Si todavía no lo tienes claro… ¿Se ha ganado Alan Wake tantas reverencias? Vamos a descubrirlo juntos en mi reseña.

 

Historia

 

            Como su nombre indica, la narrativa de este videojuego nos coloca en la piel de Alan Wake, un escritor de éxito que sufre un bloqueo creativo. A pesar de ser un artista prolífico tiempo atrás, ahora nuestro escritor no consigue escribir palabra alguna. Es por ello por lo que acepta la propuesta de su esposa Alice, con cierta fobia a la oscuridad, de pasar unos días en el «apacible» pueblo de «Bright Falls». Ya al principio nuestro hombre se encuentra con personajes extraños, como una camarera obsesionada con sus libros, unos rockeros envejecidos o cierta mujer vestida de negro. Si bien el matrimonio alcanza la cabaña sin mayores contratiempos, todo toma un cariz siniestro cuando Alice muestra «su regalo» a Alan: una máquina de escribir y la propuesta de acudir a un psiquiatra especializado en artistas.

            Alan y Alice terminan separados, con el primero obsesionado con rescatarla por todos los medios, en un mundo en el que no sabe qué es realidad y qué fruto de su imaginación. El oficio de Alan está introducido de manera magistral en narrativa y jugabilidad, algo que verás en numerosos puntos de la historia. Mención aparte merecen los personajes secundarios, como la sheriff Sarah Baker o el mánager de Alan Wake: Barry Wheeler. Debo adelantar que me encanta el personaje de Barry y la dinámica que tiene con Alan. Uno de los mejores secundarios para mí.

            Si tuviera que explicar con una palabra la narrativa de Alan Wake: Remastered, ésta sería «puzle». No en vano, queda completada mediante las páginas de manuscrito que encontrarás repartidas durante la aventura, los programas televisivos, las tétricas conversaciones o los segmentos de radio. Todo esto convierte la trama de la propuesta de Remedy en uno de sus puntos más brillantes, donde incluso cierto momento «absurdo» no desentona en el conjunto. Todo está encajado a la perfección en este «tour de force» argumental.

 

Presentación

 

            Está claro que llevamos unas cuantas generaciones desde que el Alan Wake original saliera en XBOX 360, pero eso no quiere decir que no mantenga el tipo de manera admirable hoy en día. Los gráficos se presentan sólidos, con buenos modelados para tanto personajes como escenarios. Dado que la luz es un aspecto de importancia capital en historia y jugabilidad, puede notarse el gran mimo puesto en la iluminación. Alan Wake: Remastered mezcla de manera muy acertada los gráficos del juego con momentos que introducen actores y actrices reales durante los programas televisivos. Todo esto contribuye a una ambientación muy lograda, en la que creerás estar en un pueblo maldito de los Estados Unidos.

            También el sonido muestra una gran factura, con una banda sonora espectacular. Esta última cuenta con numerosos grupos reales y cierta banda llamada «Old Gods of Asgard», que me recuerda bastante a «Poets of the Fall». ¿Por qué será? En fin, no sólo de grandes canciones, tanto originales como licenciadas, vive Alan Wake: Remastered. También los efectos de sonido rayan a gran altura, contribuyendo a trasladarte a un entorno tétrico, salido de los rincones más recónditos de la mente de Alan. Las voces, por su parte, están disponibles en varios idiomas. En lo que a mí respecta, he jugado con ellas en inglés, aunque también puedes ponerlas en perfecto español.

 

Gameplay

 

            Alan Wake: Remastered no es un juego de terror puro, sino que más bien se sirve de su gran ambientación para crear «mal rollo». Su estructura jugable pasa por momentos tranquilos cuando juegas durante el día, junto a otros de acción durante la noche. Es durante las horas oscuras cuando nuestro protagonista corre un peligro inconmensurable, materializado en seres humanoides, bandadas de pájaros y objetos poseídos que apenas te darán respiro. Si bien el juego pone a tu disposición un armamento más que respetable, el verdadero punto débil de estos enemigos es la luz, convirtiendo linternas, farolas, bengalas o fuegos artificiales en tus mejores aliados. Tanto los controles como la cámara responden bien en su mayoría, en una propuesta que concede una variedad nada despreciable en su desarrollo.

            En lo que puede parecer un «pillapilla» siniestro, las farolas suelen servir de lugares en los que podrás recuperar la vida y tomarte un respiro. Si bien no estamos hablando de un mundo abierto como tal, la exploración tiene como premio cofres con objetos tan útiles como granadas de luz o información adicional que ayuda a comprender mejor la trama.

            En cuanto a su duración, la propuesta de Remedy no es demasiado larga y reparte bien sus puntos de control. No tendrás que avanzar demasiado para encontrar uno y encaminarte poco a poco hacia el final de cada episodio. Hablamos de un videojuego que puedes terminarte en unas pocas sentadas, si te lo tomas en serio.

 

Conclusión

 

            Alan Wake: Remastered desprende calidad y carisma por los cuatro costados. Se trata de un videojuego con varios años a sus espaldas, pero cuyo resultado demuestra que numerosas mentes brillantes trabajaron en él. Ya por la historia, los personajes y la banda sonora el viaje a Bright Falls merece la pena. Si te gustan las series tipo Twin Peaks o simplemente disfrutas de un videojuego tétrico de calidad, te recomiendo probar Alan Wake: Remastered ahora mismo. Además, esta edición viene con los dos DLCs incluidos. Por mi parte, estoy expectante por descubrir qué han creado los magos de Remedy en la tan laureada segunda parte.

 

Puntuación: Síndrome de la hoja en blanco / 10

Reseña videojuegos - Yakuza 6: The Song of Life

 

Yakuza 6: The Song of Life

Distribuidora: Sega

Desarrolladora: Ryu Ga Gotoko Studio

Género: Beat ‘em Up

Voces: Japonés

Textos: Inglés

Versión: PS4

Recomendación por edades: +18

Introducción

Si estás familiarizado o familiarizada con este blog, es muy posible que sepas acerca de mi cariño por la saga Yakuza. Éste dio comienzo allá por el aparentemente lejano año 2006 y se mantiene inalterado hasta el día de hoy. ¿Cómo es posible algo así después de casi veinte años? Supongo que se trata de una mezcla del conjunto y cómo Ryu Ga Gotoko Studio se atrevió a pulir la fórmula, presentar innovaciones e incluso introducir un concepto totalmente nuevo para la saga en su séptima entrega. Mi admiración también se debe la capacidad de la desarrolladora a la hora de crear personajes como Goro Majima, Shu Akiyama o Shintaro Kazama. Antes de que Ryu Ga Gotoko decidiera adentrarse en el rol por turnos en Like a Dragon, dos protagonistas concretos destacaron sobre el resto: Kazuma Kiryu y Haruka Sawamura.

Como todo en la vida, todo ciclo debe quedar cerrado algún día. Esto es algo que ocurre con esta sexta entrega de Yakuza, que viene a ser la gran despedida de dos personajes a los que acompañamos en situaciones tales como la explosión en la Torre Millenium, la pelea contra un boxeador borracho, la creación del orfanato Morning Glory o cómo Haruka hace un gran sacrificio en Yakuza 5.

Para mí Yakuza siempre ha conseguido presentar iteraciones, como mínimo, notables. Esto último es algo que muy pocas sagas consiguen, así que mi curiosidad ha sido elevada de cara este título. Veamos juntos si este broche final está a la altura de sus predecesores y podemos poner un punto y aparte como es debido.

Historia

Después de concluir Yakuza 5, Kazuma Kiryu toma la decisión de entregarse y pasar unos años en la cárcel, para así responsabilizarse por su pasado y no ser una carga para los huérfanos del orfanato Morning Glory. Un día nuestro protagonista recibe una visita de Haruka, aparentemente inocente. Es cuando Kazuma abandona la prisión, cuando se entera de unos hechos terribles. La pobre Haruka ha sido atropellada en un incidente acontecido en Kamurocho y está en coma, aunque la cosa no acaba ahí… Haruka llevaba a un bebé en brazos, su propio hijo, al que protegió llevada por el instinto maternal.

Kazuma no tardará en encontrar al pequeño Haruto, de padre desconocido. Nuestro protagonista descubre que Haruka pasó un tiempo en Hiroshima y que tanto el pequeño como la madre están en peligro. No transcurre demasiado tiempo antes de que el antiguo Yakuza se lleve al pequeño y viaje hasta Hiroshima, resuelto a encontrar tanto al padre de Haruto como resolver el misterio que rodea al ataque en el que se vio envuelta Haruka.

Como de costumbre, te encontrarás con clanes Yakuza, bandos tales como las Triadas o la mafia coreana, y políticos corrompidos por el poder. Todo ello da lugar a otra gran trama, en la que te encariñarás con sus múltiples personajes. También descubrirás las diferentes conexiones entre organizaciones criminales y los cambios experimentados por la Yakuza durante el tiempo que Kazuma pasó entre rejas. Otras reseñas insisten en que la historia de Yakuza 6 «tarda tiempo en arrancar, aunque eso es algo conocido en numerosos juegos japoneses. A fin de cuentas, ¿qué puede importarte un personaje y su destino, si no lo conoces?

Cabe destacar que, al contrario que en entregas anteriores, Kazuma Kiryu es el protagonista principal y, por lo tanto, el único personaje jugable. Esto último significa que esta vez no controlarás a Goro Majima (cuya apariencia es testimonial aquí), Taiga Saejima o Shu Akiyama. Lejos de verlo como un inconveniente, lo considero adecuado para así concluir la historia de Kazuma y Haruka. Y es aquí donde puedo tranquilizarte… Yakuza 6: The Song of Life es el broche de oro para un argumento construido desde la primera parte. En lo que a los aliados y antagonistas nuevos respecta, no tienes nada que temer. Tsuyoshi Nagumo, Yuta Usami, Toru Hirose (magistralmente interpretado por el gran Takeshi Kitano) o Takumi Someya son adiciones de lo más interesantes, que en nada tienen que envidiar en cuanto a carisma a elencos previos.

Presentación

Como de costumbre, Ryu Ga Gotoko ha hecho un trabajo espectacular en el apartado técnico. Tanto los modelos como las animaciones brillan con luz propia, en un juego que transcurre con gran fluidez. Esto último se traslada a los entornos, ya sean en Kamurocho o en Hiroshima. Asimismo, ya no existen tiempos de carga al entrar Kazuma en un comercio (Yakuza 6 fue la primera entrega de la saga en presentar este avance tan significativo). Mención especial se merecen las escenas de vídeo, que son una delicia. No sólo son espectaculares, sino que también te transmitirán las diferentes emociones vividas por sus personajes. En esto influyen unos rostros de lo más expresivos.

El sonido nos deja un gran trabajo en el doblaje japonés, con unas voces con las que siempre sabrás qué siente un personaje concreto. La calidad en este aspecto también se traslada hacia los efectos de sonido, ya sean los golpes o el bullicio de la ciudad. La banda sonora, por su parte, alcanza el sobresaliente en no pocas ocasiones, con temazos como «Brother, Brother».

Gameplay

La fórmula de Beat ‘em Up desarrollada y evolucionada continuamente por Ryu Ga Gotoko vuelve a brillar en esta sexta entrega. Como siempre, Kazuma quedará envuelto en múltiples combates, ya sea contra varios enemigos al mismo tiempo o poderosos jefes. Ahora nuestro héroe sólo dispondrá del estilo conocido como «Dragón de Dojima» para enfrentarse a los adversarios. Habiendo probado múltiples posibilidades diferentes, por ejemplo en Yakuza 0, esto puede parecer un paso hacia atrás. En lo que a mí respecta, esto último no me afecta demasiado. A fin de cuentas, se supone que el Dragón de Dojima es la iteración más poderosa de Kazuma. Los controles responden a la perfección, aunque me he encontrado con algún que otro fallo en lo que a la cámara respecta. Ésta no siempre logra mostrar el mejor plano posible y puede dejarte vendido en alguna que otra ocasión.

Cuando no andas peleando, siempre puedes darte una vuelta para explorar o buscar misiones secundarias. La mayoría son interesantes y siempre aportan algo al conjunto. Es aquí donde algunos estudios deberían aprender de Ryu Ga Gotoko, más allá de mandarnos encargos de recadero sin sentido como «buscar cinco pétalos de rosa». También puedes iniciar minijuegos, tales como hacer de mánager para un equipo de beisbol o uno de pesca. Este último te hará bucear en las aguas de Hiroshima para enfrentarte a peces muy agresivos con la ayuda de un arpón y hasta a jefes como un calamar gigante. Por último, otro minijuego ya conocido es el creador de clanes. Aquí tu rival será una banda, que ha terminado por convertirse en todo aquello que juró destruir en un momento dado. Si conoces el mundo del wrestling japonés, te sonarán los modelos que dan vida a sus cabecillas. Uno es ni más ni menos que Kazuchika Okada, conocido también como «Rainmaker» por su movimiento final. Otros momentos te exigirán cuidar a Haruto, en minijuegos un tanto tediosos. Por fortuna, puedes dejar al pequeño al cuidado de otros personajes en un punto de la aventura bastante temprano.

Como ves, puedes entregarte por completo a las misiones principales o adentrarte en el contenido secundario de Yakuza 6 para así sacarle más vida útil al juego. La mezcla es tan espectacular y divertida como siempre.

Conclusión

Yakuza 6: The Song of Life es un cierre brillante para este arco argumental. El camino de Kazuma y Haruka tenía que llegar a su fin algún día, y me cuesta imaginar una manera mejor que ésta. Como seguramente sabrás, ahora la rama Beat ‘em Up continúa en Judgement y algunos spin offs, mientras que Yakuza ha pasado a conocerse como Like a Dragon, cuyo componente jugable principal es el rol por turnos. Si ya conoces las cinco (o seis) entregas anteriores, no esperes más y acompaña al Dragón de Dojima en este viaje para desentrañar el misterio que rodea al intento de asesinato de Haruka y la importancia de Haruto. Si todavía no has jugado a las entregas anteriores, te recomiendo hacer esto sin falta, empezando por Yakuza 0. Todos son grandes videojuegos, los cuales elevan a nuestro medio a la categoría de arte. Tampoco te pierdas Judgement, otra gran saga, que en nada tiene que envidiar a Yakuza/Like a Dragon.

Puntuación: Tengo que preparar un biberón / 10

Reseña videojuegos - The Medium

 

The Medium

Distribuidoras: Bloober Team, NA PUBLISHING Inc.

Desarrolladora: Bloober Team

Género: Terror

Voces: Inglés

Textos: Español

Versión: PS5

Recomendación por edades: +18

Introducción

Una costumbre que seguí al cambiar de generación de consolas fue comenzarla con un Silent Hill. Me pasó en PS2 (Silent Hill 3) y PS3 (Silent Hill: Homecoming). En lo que a PS4 respectaba, existió aquel «P.T.», ideado por Hideo Kojima y Guillermo del Toro. Éste debió convertirse en el malogrado «Silent Hills», protagonizado por Norman Reedus (conocido por su aparición en la serie «The Walking Dead»). Bien es sabido lo que ocurrió desde entonces… Silent Hills quedó cancelado al separar Kojima y Konami sus caminos. El primero convirtió en realidad su aspiración de crear juegos más a su gusto y colocar a Reedus como protagonista en «Death Stranding». En lo que a Konami respectaba, ésta decidió centrarse en negocios más lucrativos, tales como el pachinko (una especie de máquinas tragaperras muy populares en Japón). Para ello, la compañía no dudó en servirse de sagas muy queridas y que hicieron Historia, tales como la mencionada Silent Hill, Metal Gear o Castlevania.

Como tantos otros aficionados a los juegos de terror, he fantaseado en numerosas ocasiones con la vuelta de Silent Hill. Seguro que a estas alturas sabes que la que es aclamada como su mejor entrega por no pocos, «Silent Hill 2», verá un remake en algún momento. Konami aceptó el proyecto propuesto por el estudio polaco conocido como Bloober Team, que inspiraron numerosos juegos suyos en los clásicos del terror como el mencionado Silent Hill 2. Los polacos llevan algunas obras con esta temática a sus espaldas, tales como «Observer» o «Layers of Fear». Como es evidente, quería descubrir de qué es capaz este estudio, cuya responsabilidad de cara a los jugadores es enorme. Para ello he jugado a su último proyecto conocido como «The Medium», de recepción mixta entre la comunidad. Veamos juntos si esta obra está a la altura.

Historia

La propuesta de Bloober Team nos lleva a controlar a Marianne, una médium con poderes sobrenaturales. Nuestra protagonista es capaz de «visitar el otro mundo», donde ciertas almas están retenidas sin poder abandonarlo y, por lo tanto, sin poder encaminarse hacia su descanso eterno. Todo da comienzo al morir alguien cercano a Marianne, quien pronto buscará su alma para encargarse de ella. Esto último sirve como prólogo en el que aprender las mecánicas, tras lo que la joven recibe una llamada de un desconocido. El hombre en cuestión dice llamarse Thomas, y le pide que viaje a Niwa, lugar en el que ocurrió una gran tragedia.

Marianne llega a lo que debió ser un «resort» dedicado a la diversión, pero que terminó por convertirse en algo muy diferente. Durante tu búsqueda de Thomas, conocerás el destino de varias personas, así como a una misteriosa criatura que parece invencible. Es aquí donde te recomiendo leer los documentos repartidos por el escenario y ver las conexiones con el pasado, ya que esto enriquece la trama en gran medida.

¿Es buena la historia narrada por The Medium? Debo decir que el argumento cuenta con momentos de notable alto; sin embargo, también tiene un final que no es para todos los gustos. Digamos que juega con tu imaginación al concederte ciertas libertades acerca de cómo quieres imaginártelo, aunque también es posible que simplemente estemos hablando de un «cliffhanger» y que Bloober Team pretende preparar otra entrega. Sea como sea, se trata de un videojuego no demasiado largo. Además, si te gustan los juegos de terror clásicos, encontrarás muchos momentos que pueden resultar de tu agrado.

Presentación

Se nota que Bloober Team ha puesto un gran mimo en los gráficos, con escenarios muy bien detallados. El mundo real difiere en gran medida con la otra dimensión, creando un enriquecedor contraste. Los modelos alcanzan un gran nivel en todo momento, sin que me haya encontrado bugs por el camino. Estando en una época en la que numerosos juegos llegan «a medio hacer», esto siempre es de agradecer.

En lo que al sonido respecta, comencemos por la banda sonora. Ésta cuenta con nada más y nada menos que el legendario Akira Yamaoka, conocido por su trabajo en la saga Silent Hill (y que también participa en el remake de la segunda parte). Haciendo equipo con Arkadiusz Reikowski, los dos han compuesto canciones a la altura de las circunstancias, que contribuyen tanto a crear momentos terroríficos como otros más calmados, aunque también emotivos. Las voces en inglés, por su parte, también alcanzan un nivel respetable, con mención especial en cuanto al trabajo hecho por quien dobla a Thomas.

Por último, cabe destacar la labor hecha con la cámara. Ésta es semifija, lo cual viene a decir que el juego nos ofrece ciertos planos para cada pasaje. Si bien no es posible moverla, nos sigue hasta que cambia de plano, con un enfoque cinematográfico que contribuye a crear tensión.

Gameplay

Está claro que Bloober Team se inspira en los grandes del pasado; sin embargo, esto no quiere decir que no hayan intentado dotar a The Medium de mecánicas propias. Como menciono arriba, Marianne es una médium. A veces jugarás en el mundo real, otras en la dimensión alternativa y, en no pocas ocasiones, lo harás en ambos planos al mismo tiempo. Lejos de ser engorrosa, la mezcla funciona a la perfección. Otro punto a favor es que el juego aprovecha las funciones del mando háptico. Un ejemplo de esto es que ciertos botones ofrecen mayor resistencia en según qué situaciones.

Ten en cuenta que Marianne no contará con armas con las que defenderse. En su lugar, deberás usar tu ingenio para que la joven salga bien parada. Esto da lugar a momentos de gran tensión, puesto que existe una criatura que persigue a nuestra protagonista. Llegado el momento, el juego te llevará a controlar a un segundo personaje, quizá más poderoso que la propia Marianne.

La investigación juega un papel esencial en esta propuesta de terror y misterio. Descubrir cada secreto te acercará un poco más a la verdad y forma parte de la jugabilidad en la propuesta de Bloober Team. Para ello te recomiendo no precipitarte en terminar, sino «disfrutar del camino».

Conclusión

Bloober Team nos presenta una obra sólida con The Medium, que huye de la acción como tal. Si bien los personajes jugables son poderosos a su manera, no son para nada invencibles, algo que contribuye a aumentar la tensión. Y «tensión» es la palabra clave aquí. The Medium no pretende asustarte con los conocidos como «jump scares», sino que opta por un camino más sutil. Si te gusta el misterio, aquí tienes un videojuego que hace muchas cosas bien. ¿Hablamos de una obra maestra comparable a Silent Hill? Para nada, pero tampoco te recomiendo sumergirte en esta aventura esperando algo así, sino disfrutarla como lo que es: un videojuego de personalidad propia con puntos muy positivos.

Puntuación: Terror a la polaca / 10